de Patrice Leconte

film d’animation

Ouvrir la porte de cet étrange magasin, c’est respirer une bouffée de bonheur et goûter aux couleurs de la vie. Patrice Leconte s’empare avec brio du dessin animé.

Dans le cinéma français, Patrice Leconte s’est taillé une place de choix avec de nombreux films à  succès. Plus de 30 films en 40 ans. Comédies franchouillardes comme Les Bronzés (1, 2 et hélas 3), drames comme Monsieur Hire (1989), La Veuve Saint-Pierre (2000) mais aussi Dogora (2004), poème visuel et musical. Tout n’est pas bon chez ce réalisateur prolifique mais c’est l’un des rares cinéastes actuels à  se renouveler autant, à  tourner avec autant d’acteurs différents, dans des registres si éloignés. Et aujourd’hui, il signe son premier film d’animation.

Adapté d’un roman éponyme de Jean Teulé, Le Magasin des suicides est un conte joyeux et entrainant pour dérider tous les grincheux. Dans une ville sinistre, grise et lugubre, où le taux de suicides est très élevé, Mishima et Lucrèce vendent des articles très mortels, comme d’autres vendent des parfums ou des sacs à  main. Leurs deux enfants, Maryline et Vincent, aussi tristes que possible, attendent sans enthousiasme l’arrivée d’un nouveau bébé. Qui bien sûr, va tout chambouler.

Patrice Leconte prend un vrai plaisir à  dérouler cette histoire, du gris le plus terne aux couleurs éclatantes, qui va à  l’encontre de la sinistrose ambiante. De même, en tant que réalisateur, il s’amuse à  réaliser, grâce au dessin, des plans qu’il n’a jamais pu faire avec de vrais acteurs dans des décors réalistes. Et puisque dans ce monde-là  tout est plus facile, il fait aussi une comédie musicale, avec une succession de mélodies entrainantes qui donnent, dès les premières images, un ton joyeux à  tout le film.

Comédie pour tout public à  partir de 10 ans

Magali Van Reeth

Signis

de Stéphane Cazes

avec Mélanie Thierry, Nathalie Becue.

Un film émouvant sur ces femmes qui accouchent et élèvent leur enfant en prison, dans un univers extrêmement violent, dont il est difficile de s’extraire.

Pour son premier film, le jeune réalisateur français Stéphane Cazes n’a pas choisi la facilité. Parler des femmes qui accouchent en prison et y vivent avec leur enfant pendant quelques mois est un sujet dramatique en soi mais qui ne fait sans doute pas rêver le grand public.

L’actrice Mélanie Thierry interprète Ombline. Cette jeune femme, dont le père est lui-même en prison et qui vient d’un milieu instable, cache derrière la transparence de son visage un tumulte intérieur proche du chaos. Dans son monde, les repères et les codes ne sont pas les mêmes que ceux « des gens riches » et on comprend vite pourquoi, une fois qu’on est entré en prison, le cercle devient vicieux. Il faut une énergie hors du commun pour s’extraire de cet environnement, de la violence quotidienne reçue et donnée.

En dépit des maladresses dans la réalisation, Stéphane Cazes dresse un portrait réussi de ces femmes d’un autre monde qui, entre naïveté, révolte, espérance et désespoir, s’accrochent à  leur enfant pour trouver une raison de vivre. L’univers de la prison est montré avec beaucoup de réalisme, peut être un peu trop au détriment de la fiction. Mais on comprend vite que chaque instant est un combat, autant pour les détenues que pour les surveillantes et les représentants de la justice. La seule générosité vient des intervenants bénévoles, ceux qui sont là  « juste parce qu’ils aiment rendre service », au grand étonnement d’Ombline. C’est à  travers la maternité qu’elle découvrira et comprendra le don de soi.

La dureté du parcours de la jeune femme pour éviter de sombrer, et de faire sombrer son fils avec elle, est poignante. Aussi la fin, un peu trop naïve, si elle permet à  certains spectateurs de sortir plus apaisés de la projection, est peu crédible. Mais Ombline reste cependant un film courageux et inhabituel et, parce qu’il est par moment très proche du documentaire, nécessaire pour mieux comprendre le comportement de tous ceux qui sont incarcérés ou qui travaillent avec les détenus.

Magali Van Reeth

Signis

Prendre de l’âge le temps d’un tournage ?

La 10ème édition du festival Lumière blanche se déroule du 9 au 14 octobre 2012 au cinéma Le Lem de Tassin.

Chaque jour, un film, précédé d’un court-métrage et suivi d’un débat, propose un regard sur la vie et les années qui passent.
C’est l’occasion de voir des films récents, comme Indian Palace de John Maden, ou plus rares, comme Conversaciones con mama de Santiago Carlos Ores, ou documentaires comme Le Sens de l’âge de Ludovic Virot.

Le programme complet est à  découvrir sur le site du Lem : http://cinemalelem.free.fr/pages/flat_tab_medium_index.html

de Noémie Lvovsky

avec Noémie Lvovsky, Samir Guesmi, Judith Chemla, Yolande Moreau, Michel Vuillermoz, Denis Podalydès.

Quel plaisir de redoubler avec Camille et de revivre ces instants si éphémères qu’on a gâché autrefois, en compagnie d’acteurs qui répandent la bonne humeur !

Le charme de ce film, c’est avant tout d’éveiller notre capacité à  l’émerveillement. Si Camille redouble pourrait être classé dans la catégorie « films fantastiques » parce que le personnage principal fait un voyage dans le temps, on sent très vite qu’on s’approche plus du conte de fée. On ne saura pas quelle baguette magique ou quel sortilège permet à  Camille, la quarantaine essorée et aussi brouillée que son teint, de revenir dans la chambre de ses 16 ans. Mais, comme elle, quitte à  être là , autant profiter à  fond de ces moments-là .

Le film s’ouvre avec une scène de film dans le film, un trucage de mauvaise facture, sans doute pour nous rappeler qu’au cinéma, tout est illusion, représentation. On peut donc partir dans cet incroyable voyage, avec pour compagnons des acteurs, dont Noémie Lvovsky elle-même et Samir Guesmi, qui sont aussi crédibles en collégiens de 17 ans qu’en adultes 25 ans plus tard.

On retrouve avec plaisir les années collège, les blousons en tissu synthétique aux couleurs criardes, les blagues des garçons mal dans leur peau, les groupes de filles agglomérées, véritables pestes qui hurlent de rire sans savoir pourquoi mais parce que le spectateur, comme Camille, sait ce qui va advenir, on a un pincement au cœur.

Notre capacité à  croire, à  nous émerveiller, comme devant le générique d’ouverture, si aérien, si léger et si intriguant, vient aussi de cette tristesse face aux moments passés dont on n’a pas su tirer parti. Envers ceux qui sont partis sans prévenir alors qu’on les pensait éternels. Ici, le retour en arrière n’est pas un éloge de la nostalgie mais une célébration de l’instant présent. Et on quitte Camille dans un paysage urbain apaisé, où les flocons de neige participent jusqu’au bout à  la belle illusion du cinéma.

Magali Van Reeth

Signis