de Kore Eda Hirokazu

avec Koki Maeda, Ohshiro Maeda.

A travers le drame de deux frères au milieu de la séparation de leurs parents, une leçon lumineuse et douce, sur la quête d’un miracle qui pourrait changer nos destinées.

Au Japon, les drames sont souvent des catastrophes et dans les yeux d’un enfant d’aujourd’hui, la pire d’entre elles n’est pas un volcan en irruption, un tsunami ou une explosion atomique mais la séparation de ses parents. Deux jeunes frères se voient ainsi confiés l’un à  la garde de la mère, l’autre restant avec son père. Ils ont à  peine une dizaine d’années, sont très différents l’un de l’autre et souffrent des conséquences de cette séparation. Mais de façon différente. Koichi, l’aîné, est un garçon un peu triste, raisonnable et réservé. Ryunosuke est joyeux, malin et fantasque. A tous les deux, ils vont essayer de forcer le destin, dans une joyeuse escapade.

Il est dommage que le titre français est laissé de côté le « miracle » du titre japonais original Il y a bien longtemps que la France laïque adore les miracles et celui du dernier film de Kore Eda Hirokazu n’a rien de subversif. Deux jeunes frères séparés par le divorce de leurs parents tentent l’impossible pour réunir à  nouveau la famille. A ce souhait très contemporain que partagent tant d’enfants, il faut un miracle très actuel. Les médias abusant du vocable religieux lorsqu’ils parlent de la technologie moderne, le miracle imaginé par les enfants aura lieu lorsque deux trains à  grandes vitesse se croiseront. C’est l’énergie ainsi déployée qui permet à  l’impossible d’advenir, au miracle souhaité de s’accomplir.

Ancré dans un quotidien très japonais où on goûte des gâteaux de riz, où on se déchausse au seuil de l’appartement et où les enfants portent des uniformes pour aller à  l’école, I Wish nos vœux secrets résonne en chacun de nous, enfants ou adultes, dans notre quête effrénée du bonheur. Dans le voyage farfelu entrepris par Ryunosuke, Koichi et leurs copains, qui ne fonctionne qu’avec la grâce du cinéma, et où chacun attend quelque chose de différent, le miracle devient ce cheminement. Pour le réalisateur : « ils ont pris conscience qu’ils font partie de ce monde, eux aussi. C’est à  peu près à  ce moment-là  qu’ils apprennent aussi qu’il ne suffit pas d’aimer quelqu’un pour que cette personne vous aime en retour. Et si vous pouvez penser que cela fait partie de la vie, eh bien vous pouvez grandir en tant que personne. Les émotions qui côtoient le désespoir peuvent aider tout un chacun à  grandir. Personnellement, je pense que c’est cela, le miracle de la vie. »

Kore-Eda Hirokazu filme les enfants avec une délicatesse respectueuse, laissant apparaître les imperfections propres à  leur âge, leur insouciance naturelle et la gravité de leur implication. Le choix des acteurs est remarquable et tous forment une vraie bande autour des deux frères, complices, inquiets et joyeux à  la fois. Placé sous le signe de la catastrophe, le film est lumineux de bout en bout, avec une scène de pur bonheur au milieu d’un jardin de cosmos, où la fragilité des fleurs éphémères et colorées fait un écho poignant à  ces enfances si vite passées, si facilement brisées.

De par sa durée et son traitement, où les ellipses sont nombreuses et où beaucoup de questions restent en suspens, I Wish nos vœux secrets qui a pour personnages principaux un groupe d’enfants, n’est cependant pas un film destinés aux enfants. Au festival du film de San Sébastien (Espagne), ce film de Kore Eda Hirokazu a reçu le prix Signis et le prix du jury.

de Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval

Sortie en France le 4 avril 2012.

Entre utopie poétique et désenchantement politique, le portrait d’une jeunesse urbaine qui cherche à  construire d’autres façons de vivre ensemble, sur les vestiges d’une société ancienne.

De part sa forme et son sujet, ce film austère et poétique peut déranger certains spectateurs. C’est bien l’intention des réalisateurs, Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval. Regrettant les prises de positions politiques de leur pays face à  la question de l’immigration et de la libre circulation des individus, ils proposent une réponse radicale. Qui est aussi un manifeste pour redonner toute sa force à  l’art et à  la culture, sans lesquels l’Homme ne peut envisager un avenir.

Filmé dans une ville qui ne montre que ses escaliers, ses berges et ses tunnels, des lieux en marge et à  l’ombre du clinquant de l’urbanité habituelle, un groupe de jeunes gens tente d’inventer une nouvelle façon de vivre. Il y a Carmen et son appareil photo, Charles et son cynisme, Hussain le sans-papier afghan, Julio et son trop lourd sommeil. Mêlant la magie noire et les interpellations de la police, les histoires d’amour et la mélancolie de la modernité, Low Life tente de cerner les utopies d’une jeunesse désenchantée.

La forme même du film reflète à  la fois le chaos de cette société et la complexité de l’engagement de ceux qui la veulent. Dans une atmosphère évoquant la poésie de Gérard de Nerval, certains personnages semblent hantés par une indicible souffrance. Grâce à  un remarquable travail sur la lumière, le clair-obscur baigne la première partie du film et, à  la manière des maîtres flamands de la peinture classique, place une source de clarté dans les ténèbres de la ville. L’art pour éveiller notre conscience et nous inciter à  participer à  la destinée du monde dans lequel nous vivons.

Comme une plainte chuchotée dans la nuit, le film peut évoquer le désespoir. Mais pour Nicolas Klotz et Elisabeth Perceval, le personnage de Charles s’inscrit dans la continuité d’un autre Charles, celui du film de Robert Bresson, Le Diable probablement (1977). Malgré l’atmosphère sourde et les événements tragiques qui se succèdent dans Low Life, Charles reste aux côtés de celle qui n’a plus voulu de son amour, pour la protéger et l’aider. Fidélité à  une alliance rompue ou désir de l’autre à  travers son engagement, c’est un avenir à  construire.

Magali Van Reeth

Signis

de Michale Boganim

avec Olga Kurylenko, Andrzej Chyra, Ilya Iosifov.

A mi-chemin entre la fiction et le documentaire, sautillant entre le bonheur passé et l’espérance brisée de l’avenir, une évocation poignante du drame de Tchernobyl.

Jusqu’en avril 1986, les habitants de la petite ville de Pripiat en Ukraine vivaient heureux et insouciants à  l’ombre d’une centrale nucléaire. C’était la grande époque de l’Union soviétique où, sur d’immenses panneaux publicitaires, s’étalait cette phrase de Lénine : « le communisme, c’est le pouvoir soviétique, plus l’électrification de tout le pays ». Paysans, ouvriers et soldats, repus de propagande, vivaient heureux et insouciants sur la terre de leurs ancêtres.

Le drame de l’explosion de la centrale nucléaire de Tchernobyl est évoqué à  travers le personnage d’Anya. Plus qu’un film militant sur les dangers du nucléaire, La Terre outragée utilise les ressorts de la fiction pour dire la souffrance de ceux qui ont vécu cette catastrophe de l’intérieur. Incompréhension face à  l’ampleur du danger, incrédulité, perte d’un être aimé, de son logement, de ses repères et de sa santé, c’est à  travers la douleur intime que l’histoire est racontée.

Jeune femme de Pripiat, la ville la plus proche de la centrale, Anya prépare son mariage. Autour d’elle, les habitants semblent vivre un printemps simple et sans histoire particulière. On va à  la pêche, on lave son linge dans la rivière, on nettoie les ruches, on sort les vaches dans le pré. Vision quasi idyllique d’une époque révolue, si ce n’était cette masse de béton et de fer qui fait un peu tâche dans le paysage et induit, dès les premières images du film, une inquiétude sourde. Et le 26 avril, Anya se marie avec le jeune homme qu’elle aime. Elle porte une belle robe blanche, on fait la fête sous une bâche. Le jeune marié est appelé en urgence pour éteindre un incendie et Anya ne le reverra jamais. Après quelques jours d’incompréhension et de panique, tous les habitants sont évacués et la zone est fermée.

Au-delà  des risques sanitaires, ce qui frappe dans le film, c’est l’attachement au lieu qui pousse certains à  rester, d’autres à  y revenir, malgré les risques. Dès qu’une partie de la zone interdite est rouverte en 1996, Anya revient pour y être guide mais on sent surtout chez elle une impossibilité à  quitter définitivement ce lieu, comme s’il était une part d’elle-même qu’elle oublierait alors. Une attirance morbide pour le bonheur d’une vie passée qui rend impossible tout futur. L’ancien garde-forestier lui a carrément refusé de partir et consomme avec gourmandise sa nouvelle récolte de pommes. Enfin, à  cause d’un contexte économique dramatique, des familles entières de clandestins entrent illégalement dans la zone interdite (et contaminée) pour investir des fermes abandonnées et s’y installer. La radioactivité, qu’on ne voit pas, qu’on ne sent pas, niée par les gouvernements de l’époque, est aujourd’hui ignorée par des individus qui n’ont pas d’avenir ailleurs.

Le film est tourné au plus près de la zone interdite, dans cette ville de Pripiat, amas de ruines en béton où la végétation sauvage envahit l’espace que les habitants ont dû fuir. Un lieu propice aux fantômes, à  la désolation, qui évoque le gâchis et la démolition. Démolition des murs qui se fissurent faute d’entretien mais surtout démolitions des êtres irradiés et des survivants qui ne sont plus que les ombres de leur jeunesse saccagée. A l’image d’Anya, dont le corps s’étiole peu à  peu mais qui revient toujours vers ces lieux maudits, incapable de partir.

Michale Boganim est une jeune réalisatrice israélienne, née en Ukraine et ayant longtemps vécu en France. Cette notion d’attachement à  un lieu, et donc la conscience d’une perte irrémédiable, lui est familière. La Terre outragée est un film doublement nécessaire. Il évoque la catastrophe de Tchernobyl et les dangers de l’industrie nucléaire mais aussi ceux de la nostalgie : « On a été heureux là -bas », faut-il pour autant se tuer à  y revenir ?

Magali Van Reeth

Signis